La Sonata a tre

La Sonata a tre (due violini e basso continuo, quest'ultimo costituito da clavicembalo e viola da gamba) è la forma cameristica prediletta di tutto il tardo Seicento e della prima metà del Settecento. La sua diffusione è pari a quella del quartetto d'archi nell'Ottocento.

⠀Già nell'orchestra di Stradella si afferma il principio di far suonare il piccolo gruppo strumentale del "concertino" (i due violini, appunto) in opposizione al resto del l'orchestra, detto " ripieno". La sonata a tre rappresenta il momento più consapevole della trasformazione dell'antica "canzone da sanare" di matrice veneziana, in un organismo dalle spiccate caratteristiche accademiche. Articolata in quattro movimenti, due lenti e due veloci, la sonata a tre si suddivide, secondo la sua destinazione, in sonata da chiesa, allorché prevalgono, nei tempi veloci, le strutture contrappuntistiche, e sonata da camera, ove si è in presenza di tempi di danza, dal le marcate caratteristiche ritmiche.

⠀

È a Giovanni Legrenzi, veneziano, che si deve la fissazione dei due generi costitutivi della sonata da chiesa e da camera, esemplificate nella sua raccolta di Sonate a 2 e3 libro 1° opera 2 (1655).

Autori di raccolte di sonate a tre sono praticamente tutti i compositori dell'epoca: Stradella, Bononcini, Corelli (quattro libri, 1681-94), Veracini, Torelli, Caldara (Opera 1, 1693 e Opera 2, 1701), Bonporti, Vivaldi, che vi esordisce con l'Opera 1, nel 1705.

⠀

L'enorme produzione, ancor oggi non del tutto esplorata, comprende anche raccolte collettive di composizioni di vari autori, tra cui le celebri edizioni bolognesi del 1700 e del 1706.

Nel 1706 Zaccaria Tevo, nel suo Musico Testore, ipotizza anche un collegamento con le coeve forme teatrali: i due violini vanno considerati come due cantanti, protagonisti di un colloquio drammatico: il basso continuo è l'orchestra che sostiene i due personaggi. La Sonata a tre risente dell'affermazione dell'opera nel momento in cui, su modello della sinfonia di apertura teatrale, adotta la struttura in tre tempi: allegro-adagio-allegro. Composizione dai contenuti aristocratici, praticata dai compositori come banco di prova delle proprie capacità strumentali, la Sonata a tre non perde il suo carattere di "apprendistato" neanche dopo l'esplosione della sonata solistica. Tartini, nel 1750, fa pubblicare le sue Sonate a due violini e basso come sintesi di tutta l'epopea strumentale del tardo barocco italiano.⠀

Il tramonto della forma avviene a fine Settecento con Pugnani (Sei trii op. 1), Sammartini, Barsanti e Sacchini (Trii op. 1, 1m). La particolare predilezione concessa ai due violini, l'affermazione del loro dialogo, l'esaltazione dei caratteri virtuosistici impliciti in quella che può configurarsi come una gara tra due campioni, fanno della Sonata a tre il più accreditato referente per la nascita del Concerto Grosso.

Трио- соната

Трио- соната (две скрипки и бассо континуо, последний состоящий из клавесина и виола да гамба) - это излюбленная форма камерной музыки позднего XVII и первой половины XVIII века. Ее популярность сравнима с распространением струнного квартета в XIX веке.

Уже в оркестре Алессандро Страделла утверждается принцип соревнования concertino - небольшой группы инструментов ( а точнее двух скрипок) с остальной массой ripieno ( заполняющий). Трио соната представляет собой осознанную трансформацию античной инструментальной канцоны венецианского происхождения в произведение с очевидными академическими характеристиками. Соната соединена четырьмя частями, две медленные и две быстрые и разграничивается они по назначению на церковную сонату, где в быстрых частях преобладают правила контрапункта, и на камерную сонату, в которой есть танцевальные части, с явно выраженными ритмическими характеристиками. 

Именно у венецианского композитора Джованни Легренци в сборнике 1655 года Sonate a 2 e 3 libro 1 opera 2 впервые сознательно разграничивается церковная и камерная соната.

⠀

Авторы собраний трио сонат, это практически все композиторы той эпохи: Страделла, Бонончини, Корелли (4 сборника, 1681-94), Верачини, Торелли, Калдара ( Opera 1, 1691 e Opera 2, 1701), Бонпорти, Вивальди, который дебютирует со своей Opera 1 в 1705 году.

⠀

Внушительное музыкальное наследие, которое и по сей день не досконально не изучено, включает в себя также коллективные сборники с композициями разных композиторов, самым знаменитым является болонское издание 1700 и 1706 годов.

В 1706 Заккария Тево, в своем трактате Музыкальный композитор, предполагает также объединение сонаты с современными театральными формами: две скрипки как два певца и соответственно главных действующих лица драматического действия, а бассо континуо это оркестр который поддерживает двух персонажей. Трио соната находится под влиянием установления оперного жанра, когда она принимает трехчастную форму: аллегро-адажио-аллегро, по модели симфонии театрального вступления.⠀Сочинение трио сонаты, с ее композиционно аристократическим содержанием, композиторы использовали для проверки собственных инструментальных способностей, что продолжалось также с расцветом сольной сонаты. В 1750 году публикуются Сонаты для двух скрипок и баса Тартини, как квинтэссенция всей инструментальной эпопеи позднего итальянского барокко. 

Закат формы трио сонаты приходится на конец XVIII века с Пуньяни ( Шесть трио op.1), Саммартини, Барсанти и Саккини ( Трио op.1, 1772)⠀Особенное предпочтение отведенное двум скрипкам, утверждение их совместного диалога и совершенствование явных виртуозных характеристик инструментов превращается в соревнование между двумя экземплярами и создают в трио сонате явные предпосылки для зарождения Кончерто гроссо.

Il Concerto Grosso

L'etimologia della parola concerto potrebbe avere una duplice derivazione: la prima dal verbo latino conserere, cioè legare insieme, la seconda dal verbo certare cum, ovvero combattere.

Sia che si consideri l'accezione nel senso disgiuntivo, cioè di musicisti che suonano insieme per superarsi a vicenda (in bravura e virtuosismo), sia che si ponga l'accento sul momento collettivo della creazione musicale, ottenuta tramite la concordia di intenti, il concerto, alla fine del Seicento, indica una composizione strumentale dai precisi caratteri. Si tratta di un brano per orchestra d'archi ove il piccolo nucleo dei due violini solisti (concertino) si ritaglia la sua porzione di spazio all'interno della compagine totale (concerto grosso, o di ripieno).

Volendo considerare tra gli antecedenti del concerto grosso la raccolta di Cento concerti ecclesiastici di Ludovico da Viadana (1602) è certo che si deve alla scuola bolognese operante nella basilica di san Petronio la prima sistematica realizzazione di embrionali concerti. I nomi di Perti, Alberti, Bononcini e Vitali, pur non presentando personalità di rilievo, costituiscono un livello medio di scrittura musicale che, al pari di quello che compete un secolo dopo alla Scuola di Mannheim, è indizio di un alto tasso di civiltà musicale.

Spicca, tuttavia, tra i maestri bolognesi, la figura di Giuseppe Torelli, autore dei Concerti op. 8, pubblicati, postumi, nel 1709. 

Кончерто гроссо («большой концерт»)

Этимология слова Концерт имеет двойное происхождение: первое от латинского глагола conserere, что означает «соединять вместе», второе от глагола certare cum, то есть «бороться».

Концерт, в конце XVII века, представляет собой уже четко сформировавшийся инструментальный жанр, как в смысле разъединяющем, где музыканты соревнуются в виртуозном исполнительстве играя вместе, так и в смысле объединяющем, где акцент смещается на коллективное музыкальное творчество, полученное во всеобщем согласии. Концерт- это произведение для струнного оркестра, которое основывается на чередовании и противопоставлении звучания двух сольных скрипок «кончертино» и всего состава исполнителей («кончерто гроссо» или «рипьено»).

Предшественником кончерто гроссо считается сборник Сто церковных концертов Лодовико Виадана (1602), благодаря болонской школе действующей в базилике Святого Петрония, где получилось написать первые зачаточные концерты. Имена Перти, Альберти, Бонончини и Витали, даже если не являются выдающимися композиторами, составляют средний уровень, и являются показателем высокого уровня музыкальной культуры, сравнимый с уровнем Мангеймской школы действующей веком позже ( оказавшей влияние на развитие симфонического жанра).

Из всех болонских авторов явно выделяется фигура Джузеппе Торелли, написавшего Концерты оп.8, опубликованные уже после его смерти в 1709 году.

Arcangelo Corelli e l'apoteosi
del Concerto grosso

Il compimento del processo che conduce la musica strumentale italiana nell'alveo del concerto grosso ha come protagonista principale Arcangelo Corelli. A lui si deve la stabilizzazione della prima fase della scuola violinistica italiana, e la fissazione di caratteri strumentali che si diffondono, nel corso del Settecento, per tutta Europa. Solo Paganini, nel primo Ottocento, potrà scrivere una nuova pagina di gusto strumentale.

Corelli si inserisce perfettamente, per idealità estetiche e per coerenza musicale, entro quel Razionalismo di stampo empiristico che vede i musicisti accostarsi alla speculazione scientifica. Inoltre la sobrietà e il senso della misura propri dell'architettura compositiva corelliana, sono l'ambito musicale più prossimo al mondo poetico dell'Arcadia.

Nato nel 1653 presso Ravenna, Corelli studia a Bologna, e viene ammesso, nel 1670, nell'Accademia Filarmonica. Il magistero compositivo bolognese, già ricco di realizzazioni, fa di Corelli un musicista ferratissimo sia nel versante esecutivo che in quello compositivo.

Nel 1671 è a Roma, come suonatore di violino nell'orchestra di Cristina di Svezia, nel teatro di Tor di Nona e, dal 1675, nel complesso strumentale di san Luigi dei Francesi. Dopo un periodo di perfezionamento, trascorso ancora a Bologna, Corelli riprende la strada della città papale, per diventarne il padrone musicale. Ottenuto il ruolo di primo violino in san Luigi dei Francesi, il ravennate entra come musicista da camera in casa del cardinale Benedetto Pamphili. Dal 1689 è al servizio del cardinale Ottoboni, e dimora nell'attuale palazzo della Cancelleria. Già dal 1682 Corelli lavora ai Concerti Grossi che saranno pubblicati solo nel 1714 come Opera VI. La fama del musicista, nel frattempo, varca i confini della città, assumendo una fisionomia europea: a decine i violinisti calano a Roma per ascoltare la parola del maestro e per studiare, sotto la sua guida, il nuovo stile strumentale. Ancora vivente, grazie ai discepoli e agli ammiratori, il musicista assiste alla diffusione internazionale della sua produzione, (corellismo). L'ingresso in Arcadia (col nome di Areamelo Erimateo), un onore condiviso con Pasquini e Scarlatti, sancisce la definitiva apoteosi di Corelli che, alla sua morte, 1709, viene sepolto nel Pantheon.

Tutta e solo strumentale, la produzione di Corel li comprende anche quattro raccolte di Sonate a tre (scritte e pubblicate tra il 1681 e il 1694), e le Sonate opera V per violino solo. Altri numeri d'opera, in particolare il V e il VI saranno oggetto di studio e di imitazione. 

Арканджело Корелли и апофеоз кончерто гроссо

Главным представителем композиторов, ведущих итальянскую инструментальную музыку в русло кончерто гроссо, является Арканджело Корелли. Благодаря ему, стабилизируется первая фаза итальянской скрипичной школы и определяются инструментальные жанры которые распространяются в течении XVIII века по всей Европе. Только Паганини, в начале XIX века, сможет написать новую страницу стиля инструментальной музыки.

Корелли идеально подходит, по эстетическим идеалам и музыкальному соответствию, к эмпирическому рационализму, который рассматривает музыкантов, опирающихся на научные рассуждения. Кроме того, трезвость и чувство пропорции кореллиевской композиционной архитектуры, являются музыкальной средой, наиболее близкой к поэтическому миру Аркадии (поэзии пастушеской, или буколической).

Родился в 1653 году в Равенне, учился в Болонье и в 1670 зачислен в филармоническую академию. Магиструтура по композиции в Болонье, изобилующая талантами, совершенствует Корелли как в исполнительском так и в композиторском ключе.

В 1671 году он в Риме, как скрипач оркестра королевы Швеции, Кристины, в театре Тор ди Нона и в 1675 году, в инструментальном ансамбле Сан Луиджи Дей Франчези. После пройденного повышения квалификации, снова в Болонье, Корелли вновь возвращается в папский город, чтобы стать уважаемым музыкантом. Получив должность первой скрипки в Сан Луиджи Дей Франчези, равеннец стал вхож в дом кардинала Бенедетто Памфили как исполнитель камерной музыки. С 1689 года Корелли живет во дворце современной Канцелярии и служит кардиналу Оттобони. Уже в 1682 году Корелли работает над концертами, которые будут опубликованы в 1714 году, как VI op. Слава музыканта, со временем, выходит за пределы города и приобретает европейскую известность. Десятки скрипачей стремятся попасть в Рим чтобы учиться у маэстро и под его руководством освоить новый инструментальный стиль. Еще при жизни, благодаря его последователям и ученикам, композитор наблюдает за распространением своих творений на по всему мир, (кореллизм). После зачисления Корелли, вместе с Пасквини и Скарлатти, в Аркадскую Академию, под именем Аркомело Эриматео, наступает окончательный апофеоз творчества композитора. Его всеобщее признание подтверждается его захоронением, после смерти, в Пантеоне, в 1709 году.

Все инструментальное творчество Корелли включает также четыре сборника Трио -сонат ( написанных и опубликованный в 1681 и 1694 году) и Сонаты для скрипки соло op. V. Остальные произведения, и особенно op. V и op. VI останутся навсегда примером для многочисленных имитаций а также предметом постоянного изучения.

I maestri del Concerto grosso

La generazione successiva a Corelli perfeziona il suo avvicinamento al concerto grosso tenendo d'occhio il modello inaugurato e codificato dal maestro arcadico. Ma, mentre gli allievi diretti e indiretti di Corelli non si allontanano mai dalla sua matrice linguistica, gli esponenti della scuola strumentale veneziana approfondiscono un filone compositivo dai marcati caratteri sperimentali.

 

Primo tra i veneziani è Tommaso Albinoni (1671-1750), musicista dilettante, perché di famiglia agiata. Autore di quarantotto melodrammi di cui nulla rimane, Albinoni lascia invece alcune raccolte di concerti estremamente significative: come l'Opera 2 (Sinfonie e concerti a cinque, 1700), l'Opera 5 (1707) e l'Opera 7 (Amsterdam, 1716).

 

Sotto il segno del concerto grosso appare anche l'astro compositivo di Antonio Vivaldi che pubblica nel 1711, ad Amsterdam, la sua Opera lii, L'estro armonico.

Già toccato da un successo come operista (attività iniziata nel 1713) Vivaldi conosce fama europea proprio grazie alla diffusione di questa raccolta strumentale. Taglio asciutto, ritmo nervoso, gusto del colore, netta ripartizione dei piani sonori, temi incisivi e destinati a rimanere impressi nella memoria, costituiscono la miscela di modernità della musica vivaldiana. Nato da un suonatore di violino in san Marco, Vivaldi diviene prete secolare e, a partire dal 1703, inizia un rapporto di lavoro con il Pio Ospedale della Pietà, una sorta di ricovero per fanciulle. Qui, esercitando l'insegnamento del violino e divenendo nel 1761 " maestro di concerti " , Vivaldi applica, con le sue dotatissime allieve, tutte le sue geniali intuizioni.

Nascono in questo contesto le Sonate a tre opera 1 (1705), e le Sonate per violino solo dell'Opera 2 (1708). Dopo l'affermazione dell'Estro armonico è la volta dell'Opera 4, detta La Stravaganza (Amsterdam, 1713). Con Il cimento dell'armonia e dell'invenzione (Amsterdam, 1725), ciclo di concerti che contiene le celeberrime Quattro stagioni, Vivaldi tocca forse l'esito strumentale più alto di tutto il secolo. 

Композиторы кончерто гроссо

Следующее поколение композиторов совершенствуется в жанре кончерто гроссо, следуя примеру начатому и кодифицированному маэстро Аркадской Академии. В то время как прямые и косвенные последователи Корелли не отходят от основной лингвистической матрицы, представители венецианской инструментальной школы углубляют композиционную линию, отличающуюся ярко выраженным экспериментальным характером.

Первым из венецианских композиторов является Томмазо Альбинони (1671-1750), музыкант любитель из состоятельной семьи. Автор сорока восьми опер, из которых ничего не осталось, зато остались некоторые, невероятно значимые, сборники концертов: op. 2 (цикл симфоний и концертов для пяти инструментов, 1700), op. 5 (1707) и op. 7 ( Амстердам, 1716).

Под знаком кончерто гроссо рождается также новая композиторская звезда Антонио Вивальди, который публикует в 1711 году, в Амстердаме, свой op. 3, Гармоническое вдохновение.

Уже знаменит как автор опер ( начавший свою деятельность в 1713 году) Вивальди становится знаменитым во всей Европе благодаря распространению этого сборника инструментальных произведений. Нервный ритм, лаконичный стиль, звуковая окраска, четкое распределение уровней звука, выдающиеся моментально запоминающиеся темы составляют смесь современности музыки Вивальди. Сын скрипача церкви Сан Марко, Вивальди становится священником и с 1703 года, начинает работать в детском приюте для девочек «Pio Ospedale della Pietà». Здесь, совершенствуясь в преподавании игры на скрипке, и превращаясь в 1716 году в маэстро концертов, Вивальди применяет с талантливыми ученицами все свои гениальные идеи.

В этом контексте рождаются трио сонаты op. 1 ( 1705) и сонаты для скрипки соло op. 2 ( 1708). После успех закрепляется концертом Гармоническое вдохновение, а также op. 4, под названием La Stravaganza ( Амстердам, 1713). C циклом концертов «Спор гармонии с изобретением», в который входят знаменитейшие Времена года, инструментальная музыка Вивальди становится возможно самой востребованной во всем столетии. 

Con caratteri forse meno personali, ma con un indubbio valore di propagazione, prosegue nel frattempo l'attività di quei seguaci di Corelli con i qua li si è soliti identificare la diffusione e lo sviluppo del concerto grosso.

Francesco Geminiani, nato a Lucca nel 1687, al li evo di Corelli a Roma, trasferitosi a Londra nel 1714, diffonde in Inghilterra il verbo corelliano. Esecutore dalle doti travolgenti, protagonista di trionfali giri artistici in Irlanda e a Parigi (1749 e1755), Geminiani muore a Dublino nel 1762, lasciando due raccolte di concerti grossi, Opera 2 e Opera 3 (1732), oltre che alcune rielaborazioni dei concerti di Corelli. La produzione del lucchese, tutta compresa tra i Concerti Brandeburghesi di Bach (1721), e i Concerti opera 6 di Haendel (1740), non si blocca sul culto regressivo del modello corelliano, ma anzi si innesta nell'alveo del contrappunto, tipico della civiltà del Nord Europa.

Geminiani, provetto violinista, lascia anche un metodo di studio, The Art of Playing on the Violin (1731 e 1751, Londra). I sei Concerti grossi opera 7, precedono l'interessante ciclo di musiche scritte per commentare il canto XIII della Gerusalemme liberata di Tasso (The lnchanted Forest).

Ancora allievo di Corelli è Pietro Antonio Locatelli (1695, Bergamo-1764, Amsterdam) . Attivo ad Amsterdam ove è consulente della casa editrice Roger-Le Cène, Locatelli percorre tutta l'Europa come acclamatissimo concertista. È sua la raccolta di dodici concerti L'Arte del violino, opera 3. Con questo ciclo, che appartiene più propriamente al filo del concerto solistico, si fissa il modello del "virtuosismo stupefacente" che fa del prodigio tecnico un metro di valutazione per gli esecutori. Appartengono al filone corelliano l'Opera 4 (1735, Amsterdam) e l'Opera 7 (Concerti a quattro, 1741, Leyda. Il sesto concerto ha per titolo Il pianto d'Arianna).

Ancora allievo di Corelii èil sacerdote musicista Francesco Antonio Bonporti (1692, Trento-1749, Padova). Benché non si sia mai spostato dalla città natale, grazie alla sua musica, Bonporti conobbe una fama europea: le sue Invenzioni a violino solo opera 10 destano l'ammirazione di Bach, che ne copia personalmente quattro.

La magniloquenza corelliana ha uno degli ultimi cultori in Francesco Barsanti (Lucca, 1690-Londra, 1m). Flautista, trapiantatosi nel 1714 in Inghilterra, scrive due raccolte di concerti in stile corelliano, ove al gruppo di archi viene aggiunto anche un insieme di trombe e corni. 

Последователи Корелли продолжают развитие кончерто гроссо, с менее выраженной индивидуальностью композитора, но с несомненным акцентом на распространения жанра.

Франческо Джеминиани, родился в Лукке в 1687 году, был учеником Корелли в Риме, переехал в Лондон в 1714 году и распространил в Англии стиль своего преподавателя. Джеминиани был талантливым исполнителем и главным артистом турне в Ирландии и в Париже ( 1749 и 1755). Умирает композитор в Дублине в 1762, оставляя после себя несколько собраний кончерто гроссо, op. 2 и op. 3 (1732), а также некоторые обработки концертов Корелли. Все наследие уроженца Лукки, а также Бранденбургские концерты Баха (1721) и Концерты op. 6 Генделя (1740), не останавливается на регрессивном культе кореллианской модели, а наоборот включается в русло контрапункта, свойственного для северно-европейского общества.

Джеминиани, великолепный скрипач, является автором учебника Искусство игры на скрипке (1731 и 1751, Лондон). Шесть кончерто гроссо op. 7 предвосхищают интересный цикл произведений написанных как комментарии для XIII песни из рыцарской поэмы Тассо Освобожденный Иерусалим.

Пьетро Локателли ( 1695- Бергамо - 1764, Амстердам) является еще одним учеником Корелли. Работает в Амстердаме как консультант издательского дома Roger - Le Cène, Локателли как концертный исполнитель громко приветствуется во всей Европе. Пишет сборник двенадцати концертов op. 3. С этим циклом, который больше относится к направлению сольного исполнительства, утверждается модель ошеломительной виртуозности которая превращает технические сложности в оценочные критерии исполнителей. Op. 4 относится к кореллиевскому направлению (1735, Амстердам) и op. 7 ( Концерты для четырех инструментов, 1744, Лейден. Шестой концерт называется плач Арианны).

Также ученик Корелли, священник и музыкант Франческо Бонпорти ( 1692, Тренто - 1749, Падуя). Даже если он никогда не выезжал из своего родного города, композитор сумел добиться европейской известности, благодаря своей музыке. Его скрипичными инвенциями op. 10 восхищен сам Бах который лично копирует четыре.

Обладателем кореллиевского красноречия и одним из последних его почитателей является Франческо Барсанти ( Лукка, 1690- Лондон, 1722). Флейтист, переехавший в 1714 году в Англию, пишет два собрания концертов в стиле Корелли, где к группе струнных добавляются трубы и валторны.